La idea primera: narración en muy variados sentidos.

Cuando tienes unos temas recurrentes y a los que eres sensible, puede que la idea te surja como un flash. Incluso bastante elaborada en forma, color y textura. Pero con frecuencia hay que currarse el tema desde el argumento; creando un guión de película. Ejemplo del primer caso puede ser algo así:

-dinnana1

dinamismo

Donde la primera y espontánea idea surge de un recuerdo infantil, y surge ya con ingredientes compositivos muy sugerentes, muy claros de interpretar desde el boceto.

En el otro extremo puede darse el que la primera idea sea muy difusa: tema “Mediterráneo” y algo de esquema compositivo en cuanto a unos trazos lineales:

-mediter

De ahí a la puesta en escena final hay un trayecto arduo y entretenido. Divertido:

mediterraneo

El esquema básico debe llevar ya la estructura de la narración, sin contradecirse con las aportaciones posteriores. Permanecer “limpio”, a pesar de que el color, las texturas, y a veces el relieve (en mi caso), puedan complicar bastante el equilibrio. Los ingredientes que aparecían en el boceto eran: el arco (en positivo y negativo, quizás comprobando la sensación de crecimiento y apertura) en mi opinión es un reflejo de bóveda celeste, la dama de mantilla española y abanico (mediterránea seductora), clásica por el atuendo y moderna por el decollage del abanico, y la bahía de Málaga (ciudad abierta y mediterránea). Muy esquemáticos en los bocetillos, pero bastantes sugerentes como para elaborarlos a placer. El marco pseudo barroco y dorado fue una intuición posterior que debe relacionarse con algo de tradición de Semana Santa (digo yo).

 

Por otra parte, si en la narrativa lo literal, denotativo, es mayoritario; en lo visual, por el contrario,  el significado subjetivo, connotativo, es el que arrasa, ya que colores, texturas y formas mal hacen referencia a sí mismos, por tanto se cargan de ideas subjetivas, connotativas (muchas de ellas incluso mágicas ancestrales). En este terreno, la composición aporta toda otra historia paralela que muy pocos leen conscientemente, pero que tenemos la secreta esperanza de que llegue al espectador de alguna manera subrepticia (muchos de mis alumnos captan un montón de cosas por pura intuición, antes de estar formados en lenguaje gráfico). Esta capacidad innata de captar ese lenguaje subliminal te anima a hablarles de todo ese mensaje connotativo, suena a chino, pero sé que hay un trasfondo real, aunque nada más demostrable por encuestas como se hacía con la Gestalt. Los experimentos de Arnheim y Gombrich los he comprobado desde hace treinta años y funcionan. Pero pretendo que esas ideas surjan de forma práctica, dentro del análisis y argumentado con imágenes, no con palabras.

 

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La forma de “la Forma”.

                   Hablábamos de la inspiración, del tema, pero hay infinitas opciones de interpretación, de darle el carácter que queremos. Nuestro “estilo”. Cuando hablamos de estilo recordamos las diferentes corrientes artísticas, que marcan unos apartados claramente diferenciables, pero lo cierto es que la gradación entre ellos es infinita.  A groso modo, se puede apreciar como tres ejes de coordenadas con sus gradaciones que se cruzan e interactúan de forma que desde cada uno de ellos se puede ascender hacia los otros.

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Algo parecido a esto.

Junto a la asimilación a una realidad natural o artificial, que supone más o menos figuración o abstracción, se da un componente de capacidad o intencionalidad de expresión interior que multiplica los resultados. El factor de inspiración externo sería ese ingrediente supuestamente objetivo, pero que al fin nada tiene de ingenuo, ya que el simple hecho de percibirlo es un proceso intelectual complejo que lo convierte en algo nuestro, subjetivo. Si a eso añadimos la necesidad de cambiar de dimensiones y/o material, la interpretación es cada vez más distante de la realidad. Pero aún hay que añadir otros muchos ingredientes culturales; poéticos, filosóficos, matemáticos…, que enriquecen enormemente los resultados posibles. Todo ello filtrado por nuestro estado de ánimo y nuestra implicación en el tema.

Pues bien, suponiendo que esta apreciación sea aproximada, empiezo por ese primer vistazo al tema externo que nos apetece representar. Según la teoría de la Gestalt,  Para traducir lo que vemos necesitamos proyectar sobre la imagen una rejilla que nos ordena la información por aproximación a un patrón conocido. Sería algo así como: “esto que estoy viendo se parece a esto otro que conozco”.

Esa comparación con nuestra enooorme base de datos visual es la única forma posible de analizar toda esa información que entra a mansalva por nuestros ojos (y que los artistas, además, se esfuerzan en codificar para ponérnosla más difícil aun –sí yo soy uno de los que lo pongo aún más complicado-). ¿De qué otra forma podríamos descifrar los siguientes ejemplos?

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Este cartel de Cassandre de “Nord express” necesita de una información previa ineludible; algo como esto:

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Más un cierto concepto de velocidad y sincretismo, por supuesto.

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Este dibujo de Escher es bastante figurativo, a pesar de la visión particular que puede confundir. Comprobamos su realismo si encontramos el documento apropiado:

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Que deja menos resquicios a la duda a base de aportarnos datos, quizás anecdóticos, pero que nos guían.

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O esta guitarra de Braque, sin esta otra:

 

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Pero aún es más complicado cuando el sincretismo llega a límites de mentalidad infantil, como en este toro de Picasso:

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Sin tener la información de lo esencial en un toro de lidia:

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 Más aún cuando el componente es una pura abstracción que sólo contiene del original un simple movimiento:

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Aún así nos sugiere la referencia evidente.

 

 

Y podemos comprobar que la abstracción puede soportarse al máximo si tenemos algo fundamental a lo que agarrarse; algo muy característico y querido como una boca o un ojo.

 

Ciertamente el resto informa, pero quizás aporta poco en lo esencial:

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 Pero todo eso, con tener utilidad para movernos por la vida y apreciar el arte moderno, no vendría a cuento a este blog si no sirviera igualmente para otro fin, y es que la resolución del caos en los ambientes ambiguos también nos va a servir para otro fin…

RECURSOS DE INSPIRACIÖN o Ideación.

El recurso estriba en ese proceso que describe la Gestalt, localizamos un ambiente con profusión de formas ambiguas y de ahí extraemos múltiples posibilidades que resultan así originales.

Lo hacemos cuando miramos un cielo nublado de nimbos y vamos descubriendo formas. Lo hacía ya mi padre en la Escuela de Artes Aplicadas cuando sugería la “Inspiración por el garabato”. Funciona especialmente bien con las manchas de humedad y desconchones de la ciudad vieja. (Desgraciadamente esta fuente de inspiración se ha perdido bastante con el boom inmobiliario, aunque quizás la crisis nos la devuelva). Precisamente la etapa de los años cincuenta de la obra de Picasso parece estar inspirada por este proceso del garabato –aunque no es precisamente el período mejor de su producción, no fue muy exigente a la hora de depurar las formas, y conste que lo considero entre los cuatro o cinco mejores artistas de la historia-.

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Las múltiples sugerencias que esta escena ofrece hay que tomarlas, en todo caso, con la libertad que un proceso de inspiración pide.

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Un garabato con diversidad permite elegir recorridos muy variados que despiertan nuevas opciones impensadas.

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¿Cuadro o pared deteriorada?

 

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Este garabato de Frank Gehry…

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…se resuelve en esta maqueta y luego en un gran edificio de Louis Vuitton en Paris.

 

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Finsterlin también usó este recurso.

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El expresivo Mendelshon… Y muchos otros grandes.

Pero, ¿y la inspiración?

                ¿Tengo una idea previa? ¿Qué pretendo decir? El tema o motivo puede ser una de las fuentes de inspiración más generosas, ya nazca de un tema puramente plástico, como de uno narrativo, siempre habrá ocasión de combinar ambos para que la obra sea más divertida.

Para  tener recursos narrativos hay muchas fuentes que nos pueden encender la bombilla, algunas son nuestras de toda la vida: miedos, aficiones, estados de ánimo, recuerdos, sueños, incluso vicios inconfesables; otras nos llegan prestadas por otros creativos: música, literatura, cine, otras obras plásticas… Versionar un tema y exprimirlo siempre da mucho juego, pero, eso sí, mejor si nos conmueve.

El tema plástico se puede adquirir observando con espíritu crítico otras obras de arte, dejándose embriagar por ellas, pero, sobre todo, con una buena formación en composición, colorido, procedimientos… Las que han de ser nuestras herramientas en adelante; mientras más medios controlemos más fácil será la realización o puesta en escena de nuestro artefacto.

Una vez sabiendo de qué queremos hablar (qué decir), nos interesa plantearnos un enfoque, un encuadre (cómo decirlo). Como un director de escena, según la implicación que deseemos del espectador escogeremos un plano general o un primer plano. El resto de los personajes de la historia, colores, formas, texturas… se organizarán en base a una jerarquía, según sean solistas o coro (ya hablaré de ello en composición).

¿Y la representación de la forma? ¿Necesita el tema figuración, expresión, abstracción…?  Sin prejuicios. Los ingredientes de una cocina creativa no deben ser rechazados por haber pertenecido a otros platos.

En la interpretación, como en la de un actor, se puede aportar mucho a la narración; hay muchas formas posibles de tratar el tema y conviene elegir la más apropiada, ya veremos como desarrollar formas originales.

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Un cuadro de poca historia narrativa aparente y sin gran complicación técnica. Pero vamos a analizarlo un poco más: es un temple sobre cartulina azul intenso que nos obliga a trabajar en dos direcciones, sacando luces y oscureciendo allí donde lo necesitemos.

El tema es aparentemente banal, un paisaje de playa, pero tiene connotaciones muy intensas en Málaga; los Baños del Carmen fueron un lugar muy querido, y hoy tiene ese aire de añoranza de los balnearios decadentes (y bastante degradado), casi como esos paisajes románticos con ruinas.

La cartulina azul es una elección de evidente intención expresiva, es un tema de la serie  Mediterráneo. Sobre ella pocas manchas de color más cálidos definen zonas, con una banda en tono complementario que marca el recorrido de lectura usual;  izquierda arriba a derecha abajo. El foco casi único, de máxima complejidad (el balneario) está ligeramente apoyado a la izquierda, pero apunta como una flecha hacia el mar, con lo que apoya la apertura de vista al Mediterráneo. La tensión entre complejidad – simplicidad es evidente.

Más allá de esta lectura, aún se puede afinar más analizando gestos que también aportan expresión menos consciente. Así, un cuadro aparentemente bucólico puede tener un trasfondo dramático, por lo que es conveniente conocer el lenguaje para que todo funcione como pretendemos.

El cuadro que he mostrado antes, un cuadro sencillo que pinté para la exposición “El papel” de Cambrils, Tarragona, del año 1979,  voy a diseccionarlo para vosotros a continuación. Toda obra de arte tiene un componente de strip tease  que conviene buscar para sacarle todo el provecho, independientemente de la capacidad de sintonizar que tenga cada cual. (Siempre habrá una comunicación consciente por parte del artista y otra profunda que nos llegará a hurtadillas).

Veamos la comunicación más o menos racional:

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Este es el esquema básico. Una ventana en un papel cuadriculado, a través de la cual se puede ver un cielo azul, sobre todo ello unas letras en rojo anaranjado.

El divertimento previo está en la evidencia del tema Papel; en una exposición que era monográfica sobre el papel. Pero aparte de esa broma, se aportan unos elementos compositivos que pretenden crear unos matices de contrastes de forma y textura un tanto musicales. Así suele ocurrir cuando se hace desde una actitud en vena, o sentida.

Veamos la parte sonora. La rejilla del papel cuadriculado se siente como un patrón difuso de choques entre líneas verticales y horizontales. Se asocia a el sonido eléctrico de la alta tensión, o bien, como el de la chicharra ventilándose desesperadamente en un día caluroso. Sobre ese sonido de fondo, otros más complejos: una nota grave, pesada, dura, la sílaba PA suena atronadora –llenando el papel con un tipo bold de la fuente avantgarde-, pero tiene la contradicción de ser una ventana perforada en una ligera hoja de papel, que deja pasar una corriente de aire fresco. Podríamos traducirla como una nota de tuba o trombón, que al final deja escapar el aire (como una nota del saxo de Ben Webster). Sobre ambos sonidos, la sílaba pel podría interpretarse como un sonido más ligero y cantarín, más colorista, como un clarinete o una flauta dulce. Los contrastes de peso, como veis, son básicos en esta composición.

Quizás convenga una presentación un poco más formal, llegados a este punto, para ello suelto por aquí el rollo del currículo por si alguno se atreve a leerlo:

 

Bernardo Roquero nace en Málaga en 1950.

Estudia en la Facultad de Sta. Isabel de Hungría (Sevilla) entre 1968 y 1973.

Licenciado en Bellas Artes, especialidad Pintura, por la Universidad de Sevilla en 1973.

Profesor de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Málaga desde 1974.

Catedrático por oposición en 1977.

Se dedica al cartelismo entre los años 1977 y 1980.

Exposición “El Papel” en Cambrils (Tarragona) en julio de 1979.

Participa en el homenaje a Picasso en su centenario con diversas “performances” en Málaga.

Colectiva VII Bienal de Marbella octubre de 1983.

Expone en la Caja de Ahorros Provincial de Málaga en noviembre de 1983.

Exposición ‘Mediterráneo’, en el Castillo de Bil-Bil (Benalmádena) en julio de 1984.

Colectiva Concurso del Corte Inglés en 1984.

Exposición “Nocturnos” en la Caja de Ahorros Provincial de Málaga en enero de 1985.

Exposición en el Castillo de Bil-Bil (Benalmádena) en junio de 1985.

Premio Universidad de Málaga en la VIII Bienal de Marbella, noviembre de1985.

Exposición en el Ateneo de Málaga, “Susana en el baño”, en mayo de 1986. Colectiva “Surgido en Málaga” en la Plaza de Toros de Málaga en mayo de1986.

Colectiva “Autorretratos” en el Colegio de Arquitectos de Málaga en mayo de1986.

Colectiva “40 aniversario Unicef” en la Caja de Ahorros Provincial de Málaga en diciembre de 1986.

Exposición “Góticos” en la Exma. Diputación de Málaga enero-febrero de1987.

Exposición en Alhaurín de la Torre (Málaga) en marzo de 1987.

Vicedirector de la Escuela de Arte de Málaga de 1982 a 1992.

Exposición en Torre del Mar en marzo de 1995.

Licenciado en Bellas Artes, especialidad Diseño Ambiental, por la Universidad de Granada el 17 de abril de 1995.

Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Granada el 16 de octubre de 1997, con la tésis “Modificación del zócalo comercial urbano”.

Director de la Escuela de Arte de Málaga de 1996 a 2000.

Colectiva “El arte de los maestros 2008” en la Escuela de Arte de Málaga.

Colectiva “El arte de los maestros 2009” en la Escuela de Arte de Málaga.

Colectiva “20 x 20” en la galería Espacio Tres, en diciembre de 2009.

Se une al colectivo Espacio Tres en diciembre de 2009.

Colectiva en enero de 2010 en la galería de Espacio Tres en Málaga.

Colectiva “El dibujo con mayúsculas” en la Diputación de Málaga en 2010.
Tiene obras en colecciones privadas de Málaga, Marbella, Sevilla, Córdoba, Almería, Madrid, Orense, lbiza, Barcelona, Bilbao, Londres, Colonia (Alemania), y Galeria Sternberg Chicago (EEUU).

Mi actividad como artista trato de narrarla en mi recién nacido blog  http://bernardoroquero.blogspot.com.es/ , pero la mitad de mi experiencia se ha centrado en la guía a otros artistas; mi labor docente en la Escuela de Arte de Málaga, antigua Escuela de Artes y Oficios. Concretamente en el terreno del Colorido y la Composición, por un lado, y en el del diseño de Modas, Publicitario y Decoración por otro. La etapa más larga la he dedicado a la Decoración o Diseño Ambiental, como prefiero llamarla. Pero el caballo de batalla ha sido la composición y el análisis compositivo, que para mí es el conocimiento troncal en cualquier actividad artística.

 

pa-pel

Entendiendo la composición como ese combinado necesario para ordenar las ideas de un estado anímico tan caótico a veces como el que tenemos cuando necesitamos decir algo con mucha intensidad. Hablo con frecuencia sobre orden y caos porque creo que el difícil equilibrio entre estos extremos está la receta para que la expresión sea intensa y clara, como requieren nuestras elucubraciones.

Veremos como organizo el contenido para llevar este blog a buen puerto, sin ponerme demasiado serio.

 

 

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            No he sido muy dado a exhibirme como artista, aunque como profesor de arte he gozado de cierta popularidad. Ahora creo llegado el momento de hablar también de mis artefactos, que creo que ya superan el millar, lástima que sólo tengo documentadas algo más de la mitad. Aquí puedo contaros algo de esas maquinaciones previas a la obra de arte, y, como docente, también alguna información reservada de los entresijos que implican la realización. Llamémoslo procedimiento